Apostila - O Diretor Teatral

Gostaria de ter um tempo para revisar o material, mas, segue algumas dicas para o Diretor Teatral, material muito básico...enfim veja

Direção Teatral

O Diretor

Um diretor é que lidera, é um líder, um chefe, que sabe comandar e que moralmente esta apto a dar uma ordem de comando, da mesma forma que terá que adquirir habilidade de contornar situações e de harmonizar as diversas partes do conjunto.

O diretor teatral é uma soma de vários conhecimentos e de varias profissões. Não que seja necessariamente o executor de todas as funções, mas deve conhecer o suficiente a ponto de poder dar uma ordem certa e precisa a fim de que um técnico possa da mesma forma, excuta-la com perfeição.

Jouvet – Diz que é o jardineiro das almas, doutor das sensações, cozinheiro das falas, rei do teatro, chefe da orquestra, domador mágico, escravo do palco, interprete, pintor e figurinista, muito outras definições, mas todas inúteis. O diretor e indefinível, porque suas funções são indefiníveis.

Deve ser um pedagogo - que faça com que os atores sintam que estão sempre aprendendo mais.

Funções do diretor

ü  Tem o compromisso de ter a obra pronta dentro dos prazos.

ü  Deve transformar idéias em realidades cênicas.

ü  Uma obra sem dificuldades com atores bons, se usa aproximadamente 30 ensaios.

ü  Todo ator necessita de um diretor.

ü  O diretor ideal é aquele que consegue o maior rendimento artístico dos atores sem violentar a sua personalidade.

ü  Toda direção é composta de duas etapas:

Ø  Direção plástica – cenário, iluminação, figurinos, maquiagem, marcações.

Ø  Direção expressiva – interpretação dos atores.

Leon Chancerel compôs alguns mandamentos para o seu grupo de comediantes, uma formula suave de dizer a verdade.

1.      Venerarás o poeta servindo-o humildemente.

2.      Respeitaras teu público e teus atores igualmente.

3.      Não pensarás em ti mesmo, mas em teu grupo unicamente.

4.      Jamais serás arrogante, mas modesto e diferente.

5.      Não repreenderas os atores à não ser amigavelmente.

6.      Se forem maus, tu lhes dirás, mas particularmente.

7.      Nada ordenaras não sendo concebido claramente.

8.      Sempre darás o exemplo de trabalho honestamente

9.      Varrerás o palco se ninguém o fez devidamente.

10.  Não te entregarás ao desanimo se queres vencer.

A escolha da peça

ü  O texto é o ponto de partida.

ü  Hoje já não existem grandes dramaturgos e a produção de textos é cada vez mais escassa. Cabe ao diretor tentar descobrir novos textos.

ü  O custo de uma peça geralmente é grande – para se obter lucros deve ficar em cartaz por um tempo muito grande.

ü  É o momento decisivo da produção teatral.

ü  Os textos clássicos exigem uma grande produção.

Perguntas

ü  Que obra posso representar com os elementos que disponho?

ü  Artistas, decorações, recursos, tempo de ensaios, recursos financeiros.

ü  Que obras posso interpretar de acordo com as aptidões do meu elenco.

ü  Que serie de obras posso representar de acordo com o repertorio da companhia (isto e para companhia)

ü  Como é o palco e, seus recursos?

ü  Que classe de publico irá assistir? (bem que muitas vezes o próprio espaço já define).

ü  Um teatro grande é mais apropriado para obras com muitos atores, grandes cenários e mudanças.

ü  Cada teatro com o tempo cria seu próprio público. (Guairão)

O Texto Teatral

ü  Primeiro analisar a peça como literária não é o correto, devemos ao ler ver ela em palco. Como poderemos trabalhar nela. É muito importante a primeira leitura.

ü  A obra dramática está feita para ser representada.

ü  A primeira função do texto seria inspirar ao artista na criação.

ü  Outra função é fornecer aos atores suas falas que dirão em cena.

ü  O dramaturgo não escreve para o público, e sim para o ator falar e representar diante dele.

ü  Gordon Graig – nos mostra que uma análise de texto – antes de ser um comentário psicológico, deve ser decifrado como esboço de um cenário e o início de uma ação.

ü  Gordon Graig – é contrário a cortes e diz que a duração da peça se ela for boa, pouco importa o tempo que dura, se é má, é preciso abrevia-la. Cortar é insegurança do diretor.

Análise literária de um texto

ü  A mesma formula que se utiliza para uma analise de um poema.

ü  Para compreender um escrito qualquer, é necessário achar o pensamento que este encerra.

ü  Pensamento é tudo aquilo que o homem tente comunicar escrevendo.

ü  A analise constitui um modo de ler e descobrir intenções, e ver através das palavras os pensamentos do autor.

ü  Analisar significa também escolher do texto o mais importante, não propriamente julga-lo, o que constitui tarefa para os críticos.

ü  A primeira tarefa é descobrir o significado das palavras.

ü  Muitas vezes uma frase encerra um ensinamento, mas se levada ao momento histórico como seria este significado?

ü  Depois de organizar hierarquicamente a importância dos pensamentos selecionar as mais importantes. Com isto já estaremos preparando o que merece ser enfatizado.

ü  Analisar é compreender antes de mais nada.

ü  Um bom texto literário não é geralmente o melhor para o palco e vice-versa.

ü  Todo texto chato de ler é muito bom no palco.

O que o diretor deve saber acerca do drama

ü  Tudo aquilo quem possa conhecer e que de uma forma ou de outra venha auxilia-lo na montagem do espetáculo.

ü  Leituras de livros, de artigos sobre a vida do autor, a época em que viveu, a crise política ou religiosa... Isto levará a compreender a peça em suas peculariedades. Uma guerra marcará a vida dos personagens via autor.

ü  Logo a vida do autor pode encobrir muitos pontos vagos e incompletos do texto.

ü  O que o diretor deve comunicar ao elenco? Tudo aquilo que possa auxiliar ao ator na composição dos personagens.

Como ler uma peça de Teatro

ü  O primeiro objetivo de uma leitura seria de tomar conhecimento do argumento, da história da peça do seu início ao final.

ü  O diretor ao ler deverá ler com uma imaginação dinâmica, vendo a ação se desenvolver, sentindo as mutações, ouvindo os diálogos vendo os cenários e a iluminação, completando a rubricas com a sua criatividade.

ü  Na primeira leitura que ficam as impressões, seriam a de um publico normal.É importante que todos estejam presentes, pois é nesta hora que se discute o texto e se descobre todo seu significado.

ü  O texto apresenta três tipos de peça

Ø A que o autor crê ter escrito.

Ø    A que os atores interpretam

Ø    A que a maioria de espectadores pode entender.

Podemos perguntar ao texto

ü  Por que esta obra desperta interesse? - Por que satisfaz os interesses? Por causa da história, dos personagens, pelos pensamentos,

ü  O que conduz a uma grande cena? Se não descobrirmos as partes mais importantes à peça perdera a unidade e conseqüentemente mudaremos o sentido da obra.

ü  Devemos dar muita atenção aos pequenos Personagens, pois são eles que muitas vezes podem ocultar o sentido e a estrutura de toda peça.

ü  Qual a finalidade da obra? Qual o tema central e os secundários? Qual o gênero? Quais os conflitos, o central e as variantes? O que é que deve ser acentuado? (luz, cenografia, música) O clímax da peça? Qual a ligação dos atos? Quais informações mais importantes que devo registrar? Qual a finalidade dos personagens secundários?

ü  Toda obra ainda que medíocre tem algo a dizer. Ela foi escrita porque o autor quis dizer algo para o mundo.

ü  Um diretor dever ser um detetive e tentar descobrir o real sentido de uma obra, o verdadeiro motivo por que foi escrita.

ü  O que aconteceu antes? E o que aconteceu depois com os personagens?  Qual a relação desta cena com a posterior?

ü  Interpretar uma personalidade é, portanto, uma questão de descobrir atitudes.

ü  Podemos perguntar também - quantos homens e mulheres. Quantos são importantes, quantos secundários, quantos figurantes, que tipo de homens, qual idade - qual o tipo físico ideal.

ü  Qual a relação dos personagens entre si?

ü  Uma das formas de descobrir o caráter do personagem é perguntar o que quer, o que deseja, o que busca.

ü  Os cenários um mundo de fantasia? Uma realidade fantástica? Quais os cenários importantes para obra?  Quais os detalhes essenciais?

Anotações feitas no texto teatral

ü  Certos diretores ao iniciar a montagem de uma peça põem ao lado um caderninho de anotações. Tudo que for interessante deve ser escrito. Muitas vezes podem ser aproveitadas ou não.

ü  Se for um texto datilografado bater espaço dois e deixar margens para as devidas anotações. Se caso contrário colocar folhas em branco entre o texto.

 

Estudos paralelos ao texto

ü  Livros relacionados com o tema, com a época, com alguns caracteres.

ü  Não basta o cenógrafo desenhar e vestir o palco e os atores. Existe um estilo de comportamento que varia de época para época, de personalidade para personalidade.

Seleção do elenco

ü Nenhum diretor estará apto para selecionar o elenco de uma peça se não conhecer muito bem o texto que tenciona montar.

ü A função dos atores é representar o que foi escrito, e por isso, a sua escolha é um momento decisivo para a encenação.

ü É um processo difícil e vagaroso, é necessário uma percepção para relacionar a personalidade e habilitação do ator ao papel.

ü Cuidar para não se envolver num processo de simpatia pessoal.

ü Certos papéis exigem tipos especiais de atores.

ü A qualidade da voz é muito importante.

ü A capacidade emocional do ator deve também ser considerada.

ü Nem sempre é bom confiar papéis de grande fôlego a atores principiantes.

ü Pedir um teste, uma improvisação – nem sempre resolve, não se tem elementos suficientes para uma avaliação completa.

ü Um ator desempenha 100 % de seu valor quando interpreta um papel adequado.

ü Um homem de teatro jamais deveria fazer injustiça. Podemos dizer que este é o primeiro mandamento que deverá obedecer.

Algumas perguntas sobre a escolha do ator

ü O ator está apto fisicamente para o papel?

ü Sua complexão física corresponde a  exigida pelo personagem?

ü Está seu físico harmoniosamente ao resto do elenco?

ü Está em acordo com a herína?

ü Tem voz adequada?

ü Sabe locomover-se bem?

ü É disciplinado, pontual?

Distribuição dos papéis

ü  Experimentar vários atores para um papel é delicado, quase sempre causa dissabores.

ü  Cada ator tem seu ego, não gostariam de perder para o outro.

ü  Ao diretor cabe saber quem reúne as condições de fazer o personagem.

ü  Não pode quere justificar ao publico porque, um ator não foi bem, ao publico cabe o papel de julgar se o espetáculo foi bom ou não.

ü  Deve ser considerada a idade do ator, atriz, o, público não aceita o velho no papel de um jovem, ao contrário é um pouco mais fácil, mas tem o problema que geralmente os jovens não conseguem fazer muito bem um velho.

ü  Um ator cômico conhecido não pode fazer um papel de sério.

ü  Para teatro amador e mais fácil, não existe o estrelismo, o acordo grupal chega a um consenso.

 

Encenação

A encanação é o conjunto de todos os componentes da arte teatral. Quem lê a peça deveria, esforçar-se para imagina-la em cena, ouvir as, vozes dos atores que falam, distinguir seus timbres e inflexões; a musica incidental e os ruídos, ver o ambiente em que ela se desenvolve e sentir as mudanças de luz; reconhecer o mobiliário e as vestimentas, as jóias e adereços. Mentalmente ver a entradas e saídas de cena o ritmo das falas e da representação, os personagens que estão presentes e suas atitudes quando calados, e, além disso, um mundo de outras coisas que cada peça traz consigo. Encenação é, portanto, o conjunto de fatores pelos quais uma peça escrita se transforma em uma peça interpretada.

Desenho da encenação

ü  O mobiliário e a decoração estão ligados às entradas e saídas e com os movimentos cênicos.

ü  Fazer um guia para entregar aos eletricistas, contra regras, iluminador, carpintaria, com as indicações do que se deseja.

ü  O excesso de ações pode causar confusão e distração do público.

ü  O diretor deve indicar qual será o centro das atenções.

ü  As cenas devem ocupar o lugar indicado conforme a tensão...

ü  Saber usar todo o palco, não ficar somente na frente, centro ou cantos.

ü  O diretor deve prever todas as perguntas e poder dar uma análise completa do toda a obra.

Cortes

ü  Antes dos cortes, conhecer a estrutura, o tema central.

ü  Numa obra perfeita não há necessidade de cortes, pois devemos sim tirar aquilo que é supérfluo.

ü  Cuidado com as traduções.

O diretor deve evitar

ü  Considerar-se o centro de gravidade.

ü  Querer saber tudo melhor do que o ator.

ü  Forçar o ator adaptar-se a concepção, ao invés de adaptar a concepção do papel ao ator.

ü  Ter em mente algo impossível no palco.

ü  Só discutir, ao invés de experimentar.

ü  Ficar acompanhando o texto ao invés de acompanhar a representação.

ü  Não ter coragem de interromper um ensaio mal sucedido.

ü  Não reconhecer que não sabe o que fazer.

ü  Querer fazer tudo sozinho, em vez de deixar os atores descobrirem as coisas, mesmo que isto custe algum tempo.

ü  Elogiar em demasia.

ü  Subir muito no palco.

ü  Forçar entonações e gestos.

ü  Dirigir sempre do mesmo lugar. Desprezar o acaso, ou contar sempre com o acaso.

ü  Exigir de uma cena mais do que ela pode oferecer.

ü  Ensaiar muito pouco, ou em demasia.

ü  Não querer cometer erros...

ü  Querer demasiado, é preciso saber suas limitações.(texto, elenco, publico, recursos...)

Relacionamento do diretor com o ator

ü A personalidade e habilidades do diretor são de importância capital.

ü Sua função não é apenas de interpretar a obra, mas também, manejar pessoas. Induzi-las a trabalhar em conjunto e buscar o melhor de cada um.

ü O diretor deve acreditar naquilo que  esta fazendo . deve ser sincero neste acreditar, mesmo que seja apenas para ganhar dinheiro.

ü A disciplina deve começar por ele, começando e terminando nos horários determinados.

ü Não havendo a necessidade do ator, pode dispensa-lo.

ü Todas as normas devem ser bem claras, as concepções devem ser explicadas tranqüilamente  sempre em todos os momentos.

ü Evite exigir muitas coisas diferentes e novas num só ensaio. O ator aprende por etapas. É necessários um tempo para vivenciá-las.

ü Não de marcações, intenções que não sejam absolutamente corretas.

ü No começo o diretor deve saber sobre os personagens mais do que os atores, sendo que no final  os atores é que deverão saber mais.

Encontro do diretor com o cenógrafo

ü Um encontro muito importante. O diretor é o general, os atores os soldados e o cenógrafo é quem vai planejar o campo de batalha.

ü P cenógrafo é um artista com liberdade de ação mas subordinado ao diretor, a dificuldade é conciliar is dois itens.

ü O cenário acompanha o estilo geral do espetáculo, da mesma forma que o ator e o diretor. Ele deve ser um elemento para servir ao texto e não transformar-se no centro das atenções.

ü O cenógrafo é um misto de arquiteto, decorador, pintor, costureiro, homem de teatro e entender de interpretação.

ü  Os problemas de construção são mais sérios do que se imagina. O cenógrafo está limitado pelo espaço do palco. Deve criar algo funcional, uma área de circulação. Terá que esconder equipamentos de iluminação.

Funções que o cenário deve cumprir

ü proporcionar o ambiente para desenvolver a ação.

ü Dispor de zonas de atuação e seus respectivos níveis.

ü Constribuir para establecer atmonsfera do espetáculo.

ü Situar o lugar exato da ação.

ü Fazer ressaltar a condição social dos personagens.

ü Sugerir a época e o tempo da ação.

O diretor deve entregar ao cenógrafo

ü Uma cópia da peça que pretende montar.

ü Explicar ao cenógrafo sua interpretação e concepção do espetáculo. Se pretende ser realista ou não, os valores dramáticos que pretende ressaltar, como pretende enfatizar a direção.

ü Uma exposição completa das necessidades cênicas e de um modo geral a zona de atuação que pretende utilizar nas marcações, se pretende elevar alguma cena.

ü Lista de utensílios e acessórios que considera indispensáveis a cena. Outros poderão ser acrescidos pelo cenógrafo.

ü Uma visão geral de como vê a iluminação – sem entrar em detalhes.

ü Uma lista completa onde pretende realizar certos momentos da peça, assim como as entradas e saídas.

ü Condições financeiras da companhia.

O cenógrafo deverá apresentar ao diretor

ü Planos em plantas de todo os cenários.

ü Desenhos preliminares de cada cenário, os quais deverão ser bastante detalhados e completos para que se tornem compreensivos e que possa permitir decisões finais para modificações.

ü Aprovado o projeto o cenógrafo deverá apresentar ao diretor uma planta baixa  do cenário, contendo todas as indicações e medidas, bem como um cronograma de execução.

Encontro do diretor com o figurinista

ü O diretor deverá entregar ao figurinista – uma lista completa dos personagens e o numero de mudanças necessárias – não esquecendo do tempo previsto para cada mudança.

ü O numero de atores a serem utilizados – se algum atores fará outros personagens.

ü Uma descrição da época e da movimentação que pretenda dar aos personagens.

ü Relação dos quesitos especiais necessários a cada roupa.

ü Caberá ao diretor aprovar os figurinos finais, após apresentação dos desenhos e materiais, com cores a serem utilizados.

ü Quanto maior for combinado no inicio menores serão as modificações necessárias.

Ensaios

Os ensaios tem a finalidade de preparar a obra para sua representação diante do público, de tal maneira que possa criar os efeitos desejados e pré determinados.

Finalidade dos ensaios

ü Dar ao elenco uma plena e definida compreensão da obra, incluindo o texto, os atos, as cenas.

ü Dar uma visão geral da peça, do seu andamento, da sua movimentação e dos seus objetivos.

ü Caracterizar cada papel. Permitir um tempo para a criação e desenvolvimento de cada cena, e construir uma unidade com o todo.

ü Coordenação e unificação dos diversos elementos do espetáculo.

ü Conseguir ritmo e tempo de representação.

ü Coordenação das mudanças de cena, efeitos de luz, entrada das músicas, dos sons e dos efeitos de ruídos.

ü Ensaio geral do espetáculo completo. A visão antecipada  daquilo que o público verá como realização.

Distribuição para o tempo dos ensaios

ü O tempo dos ensaios varia sempre de acordo com a natureza da obra que vai ser encenada, de acordo com a produção e de acordo com as necessidades de cada elenco. Qual o tipo de trabalho, dança, cenários.

ü Um período muito extenso pode esfriar o trabalho.

Tempo de ensaio

ü O tempo de duração de cada ensaio três horas é muito mais lucrativo que seis horas.

ü Trabalhos com corpo e voz deveriam ser em horários diferenciados.

ü Cada peça tem suas peculariedades e necessidades que devem ser programadas para evitar confusões.

Ensaio de Gabinete

ü Não se trata propriamente de um ensaio e sim um processo de elaboração e assimilação que o diretor executa sozinho, em seu gabinete.

ü A tarefa do diretor consiste em transformar o texto escrito em representação teatral viva.

ü O processo pode ser dividido em três: o trabalho sobre a obra. O trabalho com os atores, o trabalho de montagem e realização cênica.

ü Antes de iniciar o trabalho de modelagem dos papéis ou sobre encenação, do espetáculo, o diretor terá que passar por uma infinidade de trabalhos preparatórios. Antes de tudo terá que assimilar o material.

ü A primeira etapa é um processo de estudo diretivo do texto escrito, da obra teatral, que devcerá ser transformada em espetáculo.

Como analisar uma peça

01

ü O texto terá sofrido alterações?

ü Trata-se de uma tradução?

ü O tradutor terá seguido fielmente o original estrangeiro?

ü Foi observado na versão o estilo de linguagem do original?

ü Terá seguido o tom poético ou a linguagem que corresponde a posição social , educacional de cada um dos personagens?

ü Não terá o tradutor alterado termos e expressões arcaicas ou fora de moda?

ü A linguagem é cômoda para o ator  ou é complicada?

ü O diálogo é fluente?

02

ü Que finalidade tem o dramaturgo ao escrever a obra?

ü Que gênero pertence e qual o problema principal segundo as intenções do autor?

ü Qual deverá ser o estilo?

ü Qual o conflito ou problema o autor concentra suas intenções?

ü Existe frases indispensáveis a compreensão do público da época mas que para o público atual se tornam supérfluas?

03

ü Que preparou o dramaturgo para seu publico?

ü Em que parte da exposição ele demonstra isto?

ü Quais são as informações mais importantes para o público?

ü Pode a cenografia, a luz , o estilo realçar parte da exposição?

ü Existem frases indispensáveis, outras superfluas?

04

ü Qual o conflito e os respectivo clímax no primeiro ato?

ü Este conflito é o principal ou somente o conflito preparatório?

ü Como se apresenta o conflito?

ü O conflito traz complicações imediatas ou vai se demorar?

ü O conflito leva a um final t´ragico ou feliz?

05

ü Que ator leva o conflito no primeiro ato?

ü Qual o conflito do segundo ato?

ü Esta ligado com o do primeiro ato?

ü Onde se encontra o conflito do segundo ato?

06

ü Quais são as cenas de ação?

ü Quais são as cenas de revelação?

ü Quais são as cenas de informação?

ü Quais as cenas de relevo?

ü Quais cenas tem uma tom mais violento?

ü Quais cenas tem um tom mais reflexivo, repousante?

ü Como se alteram as cenas?

07

ü Com que finalidade foram introduzidos os personagnes secundários?

ü Pode-se motivar melhor as saídas ou as mutações através de cortes?

ü Até que ponto os personagens secundários podem contribuir para a maior variedade da obra?

08

ü Existem frases que deixam vislumbrar futuras complicações ou acontecimentos importantes?

ü Como se pode acentuar o valor destas frases?

09

ü Onde esta o conflito principal da obra?

ü Quem originou quem interviu nelas?

ü Onde esta a crise da obra?

ü Quem toma a grande decisão que causa o desenlace da ação?

10

ü Como pode a direção conseguir maior concentração possível no conflito?

ü Eliminando movimentos supérfluos ou secundários?

ü Posso reduzir movimentos e ações atores secundários?

ü Com a ajuda da iluminação?

ü Dando a cena anterior um andamento mais tranqüilo?

ü Tentar retardar a crise?

11

ü Há uma segunda ação?

ü Que interesse tem para o desfecho da obra?

12

ü Termina n o desenlace todos os conflitos de uma maneira lógica?

ü Pode a direção dar maior vida a conclusão da obra?

13

ü Quais os defeitos que se pode remediar?

ü Defeitos de estrutura que podem ser eliminados mediante um novo arranjo?

ü Juntando cenas?

ü Trocando de lugar?

ü Cortando partes?

ü Algum personagem usa linguagem inadequada?

ü Temos falas muito extensas que podem ser cortadas?

ü Posso aumentar alguma fala?

14

ü O diretor deverá também saber responder, o contexto histórico do texto – anterior a peça, durante a peça.

ü Localização do mundo físico: No espaço, um local vários locais. No tempo: ano, mês, dia, hora. Seguencial ou com intervalos.

15

ü Personagens: o número de personagens, homens mulheres, ativos  e passivos.

ü Como os personagens se comportam nas ações?

ü Quais as motivações dos personagens – desejos, premio, amor, vingança?

ü Quais os sentimentos?

ü O protagonista?

ü O antagonista?

ü Confidentes?

16

ü Caracterizações – aparência física dos personagens?

ü Modo de falar?

Logo o Diretor deve estar pronto a responder qualquer pergunta do ator, portanto deve esta bem preparado.

Ensaio de mesa

ü Esta é a fase mais apaixonante do trabalho de direção. Momento em que se apresenta a semente do espetáculo que será mostrado ao público. Até este momento o trabalho do diretor foi solitário. Ele leu o texto, o imaginou .

Métodos de apresentação do texto

ü Começar pela leitura de peça a maneira italiana, reunindo os atores.

ü Lê-se o texto e logo a seguir faz-se comentários sobre o texto.

ü Algumas vezes o diretor acentua frases, momentos.

ü Apresenta as dificuldades do texto, apresenta o sentido geral do texto.

ü É importante que nesta fase o diretor já esteja interado totalmente de toda a peça.

ü Os cortes e as adaptações são marcados nesta primeiras leituras.

ü No final das leituras o diretor já devera ter em mente a distribuição dos personagens por completo.

Ensaio de apuro

ü Inclui dois importantes momentos caracterização dos personagens Expressão do texto. O ator  aprende onde e em que situação, em que momento, deverá dizer tal fala o palco se tornará mais intimo e familiar, é nesta fase do trabalho que se estuda o comportamento em linhas gerais.

ü Cabe ao diretor harmonizar as diversas interpretações no sentido de transmitir uma unidade a apresentação.

ü Na tentativa de valorizar seu personagem, o ator tente facilmente a super-valorização  e as caricaturas. O diretor deverá mostrar palavra por palavra, cena por cena, o pensamento e o sentimento do personagem humano, real e vivo.

ü Saber o texto decorado ajuda o ator a interpretar o papel. Sendo o ideal é saber as palavras sem esforço mental.

ü A capacidade de memorizar o texto varia de pessoa para pessoa, porém para todos é fundamental saber que memorização é uma questão de treinamento e repetição.

ü Para aprender seu papel o ator pode dividir seu papel em pequenas cenas, e quando longas dividi-las em seguencias.

ü Quando se monta uma peça antiga, é muito importante que os atores se acostumem aos cenários e figurinos.

Ensaio de ajuste geral

ü Depois que o texto tenha sido ensaiado e dominado  em suas partes separadamente, em seus elementos, cenas e atos, devemos então pensar no conjunto num tom uniforme. Não devemos deixar esses ensaios para os ultimos dias, devemos ao contrário faze-los com freguencia.

ü O primeiro objetivo destes ensaios de ajuste é a regulagem do tempo. Temos que anotar o tempo do espetáculo para que ente não se alongue demasiadamente e tenhamos que depois da peça estreada fazer cortes.

Ensaios técnicos

ü São ensaios dedicados ao ajuste e funcionamento das mudanças de cenário, dos efeitos da luz, efeitos sonoros e musicais, a manipulação dos acessórios.

ü Antes de iniciar um ensaio de luz. Os matérias já deverão estar instalados e termos elaborados um mapa de luz.

ü Os efeitos de luz e sons deverão ser anotados no texto com uma antecedência para os mesmos acontecerem no momento exato.

Ensaio completo – ensaio geral

ü O ensaio geral é a pré estréia. É aquilo que o público deverá assistir no abrir das cortinas. Se todos os detalhes foram cuidadosamente previstos, o ensaio será apenas um ajuste de todos os elementos.

ü Não devemos portanto, deixar para o ensaio geral uma sobrecarga de trabalho.

Alguns conselhos para os ensaios

ü  Os atores devem ter o texto decorado integralmente.

ü  Corrigir os erros no momento em que acontecem, não deixar para depois, acabam virando vícios.

ü  Nenhum ator poderá interromper o ensaio, com o erro do outro, isto cabe ao diretor.

ü  Exigir desde o primeiro ensaio, que saibam as deixas, corrigir-se em cena, usem os adereços, que se preparem antes de entrar em cena.

ü  Os diretores devem cuidar com a duração do espetáculo.

Cenografia

ü  Caracterização do local, época.

ü  Arquitetura mais pintura e o ideal do que apenas usar um só dos elementos.

ü  Realismo x convenção – é a partir de uma realidade para uma convenção.

ü  O cenógrafo precisa ter conhecimentos de arquitetura, o resto é experiência e pesquisa.

ü  Conhecer a estrutura do teatro, as limitações da matéria e da verba, da concepção do diretor, os movimentos dos atores.

ü  Cenário ter estilo e de fácil mudança. Disco, pano, carro.

ü  Procurar eliminar excesso de mudança.

ü  Elementos realistas perigosos. Um animal pode estragar as cenas

ü  Grandes relógios, tochas, ondas, cascatas, distraem o espectador.

ü  O colorido da decoração define o clima da peça.

Equipamentos

ü  Fixo e de adorno – moveis, cortinas, quadros, esculturas (não há necessidade que seja o real, por exemplo, moveis de época são caros e podem riscar, faça uma imitação, lembre-se da distancia que separam a platéia).

ü  É muito importante que não se esqueça de marcar no chão com fita a posição dos moveis. (tudo será afinado para aquelas posições)

ü  Adereços manuais - cigarros, jornais, malas comida. Evitar cuidados para que não de razões de riso para o público.A pistola não pode falhar.  Usar pacotes fáceis de serem abertos, cinzeiros com água dentro, a comida não pode ser muito temperada ou seca.

ü  Efeitos de som - e efeitos não elétricos tais como: trovões, sinos, sirenes, chuva e vento, gravados os alto-falantes devem ficar no local que vem o som de origem.

Figurinos

ü  A História Universal da moda - P.T. Wilcox, O Vestuário Histórico de Racinet – bons livros para pesquisa.

ü  Não é preciso usar o real - criar o teatral que facilita as mudanças Às cores devem ser mais vivas que a decoração.

ü  Cores fortes para personagens fortes e vice-versa.

ü  Nas multidões deve-se evitar muito colorido.

ü   O personagem teria essa roupa? Condição econômica, moral.

ü  As mudanças devem ser ensaiadas e cronometrar o tempo que se gasta.

ü  A roupa pode ocultar defeitos dos atores. Pernas compridas, magras, gordas.

ü  Sejam os figurinos desenhados especificamente ou selecionados de material já existente, o importante e que não só sejam adequados a cada personagem, mas também ao espírito e ao estilo da peça.

ü  As possibilidades de expressar um personagem por meio de suas roupas são praticamente inesgotáveis.

Regras

ü  Qual a natureza do personagem? Modesto ou orgulhoso, brutal ou bondoso, tímido ou vaidoso?

ü  Qual a sua idade? – É importante quando um jovem vai fazer um papel de velho a interpretação e a maquiagem pode deixar a desejar.

ü  Qual a sua posição econômica e social? Quais seus gostos?

ü  O personagem esta em casa?A ou é um visitante? Um chapéu pode mostrar que é visita. As mangas da camisa, um chinelo diz que esta em casa.

ü  Qual o estado emocional dos personagens?  É' uma pessoa derrotada, ou segura de si, satisfeita, ambiciosa ou insatisfeita com a vida? Um homem que acaba de saber que herdou uma fortuna não se veste igual a um homem que vai se suicidar.

Maquiagem

ü  Deve ser levada em consideração a iluminação do espetáculo.

ü  Procurar sugerir o caráter da pessoa.

ü  Barba rala é sinal de decadência.

ü  Manter o rosto limpo antes da aplicação da maquiagem.

Princípios básicos da caracterização

ü  A caracterização deve estar de acordo com a aparência física do ator.

ü  O ator não deve procurar criar rugas além das indicadas pelas contrações dos músculos faciais a fim de evitar duplicidade.

ü  Os postiços devem ser usados se realmente precisar e muito bem colados

ü  A caracterização jamais poderá ser uma mascara que interfira no dinamismo facial.

ü  A caracterização não deve ser copia exata da natureza.

ü  As imagens fantásticas e abstratas devem ser expressas como seres antropomorfos e não sob a forma de mascaras carnavalesca.

ü  A caracterização deve ser: simples (evitando detalhes preocupação com a distancia)

ü  Não se deve entrar em cena sem caracterização.

ü    Quando ao ator se caracterizar deve levar em consideração a intensidade da luz.

Iluminação

ü  Devemos primeiro iluminar o ator.

ü  A luz deverá vir de cima para evitar sombras na decoração.

ü  Devera criar uma atmosfera psicológica e preparar o inconsciente do espectador.

ü  As mudanças devem ser suaves.

ü  Se for noite, usar de início o azul e corrigir aos poucos.

ü  Diminuir lentamente a luz da platéia e deixar um pequeno tempo no escuro para criar um clima de concentração.

ü  Evitar que o publico veja os instrumentos de iluminação.

ü  Cuidam para não manchar de luz as bambolinas, pernas e decoração.

ü  Um excesso de luz na decoração vai achata-la

ü  Iluminar a sala enquanto duram os aplausos.

 A música cênica

ü  Definir ambiente, criar estados emotivos.

ü  Escolher a musica cênica que se harmonize com a encenação.